隙間を、果物で埋める——セヴェリン・ローゼン

花と果物が、山になる

一枚の静物画から始めたい。

横に長い、大きな画面である。

横が128センチある。

左半分に、花の束が盛り上がる。

薔薇、牡丹、朝顔、矢車菊。

白、桃色、赤、紫、黄。

数えると、二十種類を超える。

その下には、石の台がある。

右半分には、果物が並ぶ。

葡萄、桃、木苺、林檎。

籠に盛られ、台からこぼれる。

背景は暗い褐色で、右上だけが明るい。

隙間を、埋める

この一枚には、隙間がほとんどない。

花と果物と葉が、画面を埋め尽くす。

そして、それぞれが重なり合う。

つまり、密度が極端に高い。

静物画には、余白を生かす型もある。

少数の器を、広い空間に置く。

この画家は、その逆をいく。

とにかく、詰める。

詰めることの効果

密度を上げると、何が起きるか。

まず、豊かさが伝わる。

これだけの花と果物がある、という印象になる。

次に、目が止まらなくなる。

一つ見れば、隣が目に入る。

そして、次々に移っていく。

つまり、見る時間が長くなる。

商品としては、これは利点である。

飽きにくい絵になる。

描いた人について

セヴェリン・ローゼンは、一八一六年に生まれた。

現在のドイツ、ライン川沿いの町の出身である。

一八四〇年代に、米国へ渡ったとされる。

そして、ニューヨークとペンシルヴェニアで静物画を描いた。

美術館の記録では、没年に疑問符が付いている。

一八七二年か、という書き方である。

つまり、最期が確定していない。

記録に残らないまま、消息が途絶えた画家である。

没年に、疑問符が付く

没年が分からない画家は、珍しくない。

とくに、移動の多い画家や、無名に近い画家に多い。

死亡の記録が残らない。

あるいは、別の土地で亡くなる。

ローゼンについても、晩年の記録が乏しいとされる。

館は、その状態をそのまま記す。

一八七二年か、という表記である。

分からないことを、疑問符で示す。

移民の画家

ローゼンは、欧州から渡ってきた画家である。

そして、故郷の様式を持ち込んだ。

花と果物を大量に積む静物画は、北方の伝統に連なる。

十七世紀の低地地方で確立した型である。

その型を、十九世紀の米国で描く。

つまり、二百年前の様式が、新大陸で続いている。

当サイトの
花だけを描くでも、静物画の伝統に触れた。

花の種類を、描き分ける

一枚目の花を数えてみたい。

薔薇、牡丹、朝顔、矢車菊、百合、菊。

そして、名を特定しにくい小さな花が多数。

いずれも、花びらの形が描き分けられている。

薔薇は幾重にも巻き、牡丹は大きく開く。

朝顔は漏斗の形、矢車菊は細かく裂ける。

つまり、植物の観察にもとづいている。

花を漠然と描いているのではない。

咲く時期が、揃わない

もう一つ、気づくことがある。

一枚に描かれた花の咲く時期が、揃っていない。

春の花と、夏の花と、秋の花が同居する。

つまり、実際には同時に見られない組み合わせである。

これは、静物画では珍しくない。

写生を蓄えておき、後で組み合わせる。

あるいは、標本や図譜を参照する。

つまり、目の前の花束を写したのではない。

構成された花束である。

果物だけの一枚

二点目は、花がない。

横に長い画面である。

石の台の上に、果物が並ぶ。

中央には、籠に盛られた葡萄。

その左には、脚付きの器に木苺。

さらに左には、硝子の水差しと杯。

右には、切られた西瓜がある。

赤い果肉と、黒い種が見える。

そして、桃、林檎、葡萄が台からこぼれる。

奥には、蔓と葉が広がる。

背景は暗い灰緑である。

切って、中を見せる

西瓜が切られていることに注目したい。

赤い果肉と、種が見える。

つまり、外側だけでなく内側も描かれる。

静物画では、この処理がよく使われる。

果物を切ると、色と質が二つになる。

皮の緑と、果肉の赤。

その対比が、画面を豊かにする。

そして、描く技術も見せられる。

硝子を、描く

左の硝子の器に注目したい。

透明で、後ろが透ける。

そして、表面が光を反射する。

つまり、透過と反射を同時に描く必要がある。

静物画で最も難しい対象の一つである。

この画家は、細い白い線を数本置く。

そして、縁の部分だけを明るくする。

それで、硝子に見える。

大きな画面と、小さな画面

六点の寸法を整理したい。

最も大きいのが、横128センチ。

最も小さいのが、縦34.9センチ。

つまり、幅がある。

大きなものは、居間の壁に掛ける絵である。

小さなものは、より私的な場所に置く。

同じ画家が、両方を描いている。

注文主の予算と、飾る場所に応じて、大きさを選ぶ。

十九世紀の家に、掛ける

十九世紀半ばの米国では、静物画に需要があった。

新しく財を得た層が、家を飾る。

そして、食卓や居間に掛ける絵として、静物が選ばれた。

花と果物は、豊かさの象徴でもある。

つまり、家の繁栄を示す。

主題と用途が、うまく一致している。

そのため、同じ型の絵が繰り返し描かれた。

六点にも、その繰り返しが見える。

同じ品を、繰り返す

六点に登場する果物を数えたい。

葡萄が六点すべて。

桃が五点、林檎が四点、木苺が三点。

つまり、同じ果物が繰り返される。

そして、器も似ている。

脚付きの白い器、籠、硝子の杯。

つまり、手持ちの道具と主題を使い回している。

前回の記事でも、同じ点に触れた。

静物画家は、繰り返しの中で腕を上げる。

色の配分

一枚目と二枚目の色を、整理してみたい。

赤、桃色、白、黄、紫、そして緑。

そのすべてが、暗い背景の上に置かれる。

つまり、明るい色が暗い地の上で光る。

この配分は、静物画の基本である。

背景を明るくすると、花の色が沈む。

暗くすることで、色が立つ。

そして、画面の縁が締まる。

六点とも、背景は暗い。

台の縁を、描く

六点のいずれにも、石か木の台が描かれる。

そして、その縁が画面の下部に水平に走る。

この線が、絵の底になる。

台の上が絵の世界、その下は見る人の空間である。

つまり、境界線である。

そして、果物や葉が台からこぼれ落ちる。

縁を越えて、こちら側へ出てくる。

その一部が、見る人の空間へはみ出す。

だまし絵に近い効果である。

楕円の板絵

三点目は、形が違う。

楕円形の画面である。

そして、金色の額に収まる。

技法欄にも、額が記されている。

つまり、額が作品の一部として扱われている。

画面の中央に、硝子の杯が立つ。

中に、黄色い液体がある。

その右に、黒い葡萄の房が垂れる。

左には、林檎と桃がある。

手前には、白い皿に黄緑の葡萄が載る。

背景は暗く、平らである。

額を、記録に含める

技法欄に額が記されるのは、珍しい。

多くの場合、額は作品と別に扱われる。

しかし、この二点では、額が当初のものだと考えられている。

つまり、画家が額まで含めて作った。

あるいは、注文の時点で額が決まっていた。

楕円の画面には、楕円の額が要る。

既製の額では合わない。

だから、一組で作られる。

楕円という形

楕円の画面は、静物画によく使われた。

四隅がないので、対象を中央にまとめられる。

そして、装飾的に見える。

さらに、部屋の壁面の区画に合わせやすい。

十九世紀半ばの住宅では、楕円の額が流行した。

六点のうち二点が楕円である。

いずれも、同じ時期の作である。

つまり、流行に合わせて作られている。

苺の盛られた器

四点目も、楕円である。

画面の中央に、白い脚付きの器がある。

器の縁には、透かし彫りの模様が入る。

そこに、赤い苺が山盛りにされる。

数えると、数十個ある。

その左には、林檎と青い実がある。

右には、葡萄が二房垂れる。

黒い葡萄と、黄緑の葡萄である。

手前には、桃と苺が転がる。

背景は暗い緑である。

苺を、数十個描く

器に盛られた苺に注目したい。

一つずつ、形が描かれる。

そして、表面の粒々も示される。

さらに、光の当たる面と陰の面がある。

つまり、数十個をすべて描き分けている。

同じ形を並べると、模様になってしまう。

だから、大きさと向きを少しずつ変える。

その調整が、この画家の丁寧さである。

白い器の透かし

器の縁の透かし彫りも見ておきたい。

穴が規則正しく並ぶ。

そして、その穴から向こうが透ける。

つまり、白い器の中に、暗い穴がある。

この表現は、手間がかかる。

穴の一つずつに、影と光を入れる必要がある。

そして、規則正しく並べる。

一つでもずれれば、目立つ。

金箔の額

金箔の額についても書いておきたい。

木で枠を作り、下地を塗り、金箔を貼る。

そして、磨いて光沢を出す。

つまり、額そのものが工芸品である。

暗い絵に金の枠を付けると、画面が締まる。

そして、部屋の中で目立つ。

十九世紀の住宅では、金の額が広く使われた。

絵と額は、一組で買われる商品だった。

楕円の絵を、飾る

楕円の絵は、どう飾られたか。

対で、暖炉の両脇に掛ける。

あるいは、鏡の上下に配する。

つまり、部屋の造作に組み込まれる。

四角い絵より、置き場所が限られる。

そのぶん、部屋に合わせて注文される。

この二点も、特定の部屋のために作られたのかもしれない。

いまは、美術館の壁に並んでいる。

二点の対

三点目と四点目は、対である。

いずれも楕円、いずれも金箔の額。

年代も同じ、そして同じ寄贈で館に入っている。

つまり、一組として注文されたのだろう。

一方は葡萄と杯、他方は苺と器。

主題が少し違う。

しかし、色と構成は揃っている。

対の絵は、並べて掛けることが前提である。

板に描く

三点目と四点目は、板に描かれている。

画布ではない。

板は表面が硬く、細かい描写に向く。

そして、小さな画面には都合がよい。

大きな板は反りやすいが、四十センチなら問題は少ない。

六点のうち、板が三点、画布が三点である。

大きな作品は画布、小さな作品は板。

寸法によって、支持体が選ばれている。

花を、縦に積む

五点目は、縦長である。

縦長の画面である。

中央に、褐色の壺が立つ。

そこから、花が高く盛り上がる。

白い薔薇、桃色の薔薇、青い花、黄色い花。

そして、白と桃の縞の花が上部に開く。

チューリップだろう。

壺の下には、石の台がある。

台の上には、果物が並ぶ。

葡萄、桃、切られた橙、そして白い薔薇。

背景は、灰褐色である。

縦に積む構図

この一枚は、縦に積み上げる構図である。

下に台と果物、中央に壺、上に花。

つまり、三段になっている。

そして、上へ行くほど明るく、軽くなる。

下は暗く、重い。

上は明るく、開いている。

縦長の画面では、この上下の差が要になる。

均等に詰めると、間延びする。

一八四八年という年

この一枚は、六点の中で最も早い。

一八四八年である。

つまり、米国へ渡ってまもない時期だろう。

そして、様式はすでに完成している。

密に詰め、細かく描き分ける。

その方法は、故郷で身につけたものと考えられる。

渡米後に変わったのではない。

持ち込んだ型を、そのまま使い続けている。

蝶と、虫

この一枚の下部に注目したい。

小さな蝶が、台の縁にとまっている。

そして、白い花の上にも、小さな虫が見える。

静物画には、こうした虫がよく描かれる。

理由は、いくつかある。

まず、細密な描写の見せ場になる。

次に、生きているものが加わることで、静物に動きが出る。

そして、時間の経過を示すとも読まれる。

花はやがて枯れ、果物は腐る。

花の絵に、意味を読むか

静物画には、意味を読む伝統がある。

花は儚さ、果物は豊かさ、虫は腐敗。

つまり、時間の経過と生の有限さを示す。

十七世紀の低地地方の静物画では、この読みが強い。

一方、十九世紀の米国の静物画では、装飾の性格が強い。

家を飾り、豊かさを示す。

つまり、同じ型でも意味が変わる。

六点をどちらで読むかは、判断が分かれる。

当サイトとしては、断定しない。

桃だけの一枚

六点目は、小さい。

六点の中で、最も小さい。

石の台の上に、白い布が広げられる。

布の端には、金色の房飾りが付く。

その上に、桃が四つ並ぶ。

黄と赤の斑があり、皮の産毛が見える。

その周りに、黒い葡萄が散る。

そして、黄緑の葡萄が一房ある。

奥には、林檎が一つ見える。

背景は、黄土から褐色へ移る。

品数を、減らす

この一枚は、他の五点より品数が少ない。

桃、葡萄、林檎。

三種類だけである。

つまり、密度が低い。

そのぶん、一つずつが大きく描かれる。

桃の産毛、葡萄の粉、布の襞。

いずれも、丁寧に描かれる。

大きな画面では詰め、小さな画面では絞る。

寸法に応じて、品数を変えている。

桃の産毛を、描く

桃の表面に注目したい。

わずかに、ぼやけて見える。

つまり、産毛が描かれている。

輪郭を硬く締めると、産毛は出ない。

だから、縁をわずかにぼかす。

そして、明るい部分に細かい点を置く。

その処理で、柔らかい皮になる。

同じ画面の葡萄は、逆に輪郭が硬い。

つまり、果物ごとに描き分けている。

白い布と、房飾り

台に広げられた白い布も見ておきたい。

襞が深く、複雑に折れる。

そして、端に金色の房飾りが付く。

布は、静物画の常連である。

理由は、形が自由だからである。

そして、明るい面を作れる。

暗い背景と、色の濃い果物。

その間に、白い布が入る。

明るさの段階が、そこで整理される。

布の房飾り

金色の房飾りにも触れておきたい。

糸が束ねられ、垂れている。

そして、一本ずつに光と影が入る。

小さな部分だが、手間はかかる。

こうした飾りは、豊かさを示す小道具でもある。

高価な布には、房飾りが付く。

つまり、布の格が示される。

果物だけでなく、器や布も豊かさを語っている。

六点の年代

年代を並べたい。

一八四八年、一八五〇〜五五年、一八五五年。

一八六五〜七〇年が二点。

そして、制作年不明が一点。

つまり、二十年ほどに散っている。

初期の作は大きく、後年の作は小さい。

そして、後年は楕円が使われる。

需要と流行に応じて、形と大きさが変わっている。

六点の受け入れ年

来歴も見ておきたい。

一九六三年、一九六七年、二〇〇四年が二点。

そして、館の記録に年のないものが二点。

つまり、二十世紀後半以降の受け入れである。

米国の十九世紀の静物画への関心は、二十世紀に高まった。

それまでは、装飾的な絵として軽く見られていた。

評価が変われば、収集も変わる。

六点の受け入れ年は、その変化を映している。

静物画の地位

静物画は、長く低い地位に置かれてきた。

当サイトでは、繰り返しこの点に触れてきた。

歴史画、肖像画、風景画、静物画。

この順で格が下がるという考え方があった。

しかし、家庭では最も好まれた分野の一つである。

食堂に果物の絵、居間に花の絵。

つまり、飾る場所と主題が結びついている。

格の低さと、需要は別である。

同じ主題を、繰り返す画家

ローゼンは、生涯にわたって静物だけを描いた。

肖像も、風景も、歴史画もない。

つまり、一つの分野に絞っている。

そして、同じ果物と器を繰り返す。

こうした画家は、十九世紀に少なくない。

分野を絞れば、注文が集まりやすい。

果物の絵といえば、あの画家。

そういう評判が、仕事を呼ぶ。

署名は、どこにあるか

六点のいくつかには、署名が見える。

台の縁や、画面の隅に小さく記される。

静物画では、署名の位置が工夫される。

石の台に彫ったように書く、あるいは紙片に書く。

つまり、署名まで絵の一部にする。

前回の記事でも、同じ趣向に触れた。

三点目と四点目の右下にも、文字らしきものが見える。

拡大して探してみてほしい。

果物を、こぼす

六点に共通する仕掛けがある。

果物が、台の縁からこぼれている。

葡萄の房が垂れ、桃が転がる。

つまり、整然と並べていない。

そして、いくつかは画面の外へ出そうになる。

この不安定さが、画面に動きを与える。

きちんと並べると、標本の図になってしまう。

崩すことで、絵になる。

六点を、順に見る

見方を提案して、終わりたい。

六点の葡萄だけを、順に見比べてほしい。

黒い葡萄と、黄緑の葡萄。

いずれも、粒が一つずつ描かれる。

そして、表面に白い粉が乗る。

その粉を、薄い灰色で描いている。

さらに、粒の上に光の点が一つ入る。

その点の位置が、粒ごとにわずかに違う。

つまり、光源の位置が計算されている。

数百粒の葡萄が、同じ光の下にある。

その一貫性が、この画家の仕事である。

粒を数えるつもりで、六点を見てほしい。

数百粒の光の点が、そこに並んでいる。

それを一つずつ置いた手を、想像してほしい。

静物画とは、そういう根気の絵である。