モネ《睡蓮》の解説——なぜ水面だけを描き、どこで見られるのか

《睡蓮》とはどんな絵か

クロード・モネの《睡蓮》は、池の水面だけを画面いっぱいに描いた油彩である。館の記録では1906年の作で、縦89.9センチ、横94.1センチ。シカゴ美術館が所蔵している。

画面はほぼ正方形をしている。空も岸も対岸の木も描かれず、見えるのは水と、浮かぶ睡蓮の株と、水面に映った影だけである。

左下と右上に、睡蓮の株がかたまりになって浮かぶ。画面の上端まで水面が続き、対岸の線はどこにも無い。その二つが、中央に細い水の道をあけている。

水の道には木の影が縦に落ち、左寄りには雲の白が映る。影の部分は青と緑が濃く、雲の部分だけが明るい。右下には、赤い字で署名と1906の年記が入る。

館の記録では、この絵は1903年から1908年にかけて描かれた一群のうちの1点である。水の庭を描いた仕事の、ちょうど中ほどにあたる。

同じ記録によれば、モネ自身はこの主題を「執念」と呼んでいた。館の技術調査でも、描いている途中で何度も大きく手を入れた跡が確かめられている。

睡蓮の花は、近くで見ると花の形をしていない。桃色と赤の絵具を短く置いた点が、離れたときに花として見える。《睡蓮》の作品ページでは、その置き方を拡大して確かめられる。

館の来歴の記録では、1909年に画商デュラン＝リュエルとベルネーム＝ジューヌが画家から買い取った。画商の台帳には「睡蓮、水の風景、1906年の連作」と書かれている。1914年にシカゴの収集家マーティン・ライアソンが買い、1933年の遺贈で館に入った。

実物や拡大画像はどこから見るとよいか

まず離れて、水面に何が映っているかを探す。左寄りの白い雲と、上から垂れる木の影が見つかれば、空と岸が水の中にあることが分かる。

次に近づいて、葉と映り込みの筆の向きを比べる。葉は横、影は縦に置かれている。最後に花を見ると、形ではなく絵具の点として置かれていることが分かる。

なぜ水面だけを描いたのか

見ていた対象が、池そのものではなく水面に起きる変化だったからである。館の記録は、陸と空と水という絵の決まった区分から離れ、水の面だけに絞った点をこの絵の要点としている。

水面は二つのものを同時に見せる。浮かんでいる睡蓮と、映り込んでいる空や木である。前者は水の上にあり、後者は水の向こうにある。

その二つが一枚の面に重なるため、奥行きの手がかりが消える。上下も遠近も決めにくい画面が生まれる。

筆の向きも、その決めにくさを助けている。睡蓮の株は横に寝かせた短い筆で置かれ、映り込みは縦に長く引かれている。

横の筆は水の上にある葉を、縦の筆は水に映った木を示す。同じ一枚の面で、二つの方向がすれ違っている。

モネは1890年にジヴェルニーの土地を買い、その3年後に水の庭を作り始めた。館の記録では、家の裏の湿地を池に変え、細い端に日本風の木の橋を架けた。

池には外国の植物も土地の植物も植え、そこに睡蓮が加わった。絵の題材は、画家が自分で作った庭である。館の記録では、水の庭を描いた絵はおよそ250点にのぼる。

ジヴェルニーの家と庭は、いまは財団が管理し、季節を限って公開している。池と橋は、絵と見比べられる形で残っている。

同じ場所を何度も描く手つきは、麦の山や大聖堂の連作と地続きである。連作の考え方はクロード・モネの代表作と特徴に書いた。

橋のある池から、水面だけの画面へ

水面だけの画面に至るまでには段階がある。はじめのころ、モネは池を岸の上から眺め、日本風の木の橋を画面の中心に置いていた。

橋は画面の上半分を弓なりに横切る。水面は下半分に収まり、睡蓮は帯のように並ぶ。岸の草と橋とが、画面の枠の役をしている。橋は青緑に塗られ、背後の茂みも水面も明るい緑で、花は白と桃色の点で散らされる。

館の記録では、右下に「99」の年記を添えた署名がある。1900年1月に画商デュラン＝リュエルが画家から買い、1920年にはピッツバーグのカーネギー・インスティテュートが買った。

一年後の《睡蓮の池》にも、橋はまだある。ただし色が変わる。前年の明るい緑に代わって、赤茶と深い緑が画面を覆う。

左上からは柳の細い枝が垂れ、橋の向こうの茂みも暗い。手前の水面では、青緑の葉の間に赤茶の映り込みが帯になって走る。

館の記録では、モネはこの主題を1899年から1900年にかけて18点描いた。この1点は1900年12月に画商へ売られており、描かれたその年のうちに画家の手を離れている。その後1915年にシカゴの収集家の手に渡り、1933年に別の収集家アニー・スワン・コバーンの遺贈で館に入った。共通するのは、睡蓮と、水面に映る岸の草木とが混ざり合う点である。

そこから数年で、橋も岸も画面から消える。残ったのが1906年の《睡蓮》で、視線は真上に近い角度から水面へ落ちる。

晩年になると画面が大きくなる。オランジュリー美術館の資料によれば、1914年、息子を亡くしたばかりの74歳のモネは「大装飾」に力を注ぐと決めた。

そのためにジヴェルニーに大きなアトリエを建て、1916年に完成させた。長さ23メートル、幅12メートル、高さ15メートルで、天井から光を入れる造りだった。

岸も橋も無く、画面の全体が水面である。葉は黄や青緑の短い筆で置かれ、花は赤い点に近い。水の底の暗さと映り込みが、茶と緑と紫で重ねられている。

館の記録は、この絵の制作年を1917年から1919年とする。大画面と並行して描かれた小ぶりのカンヴァス19点のうちの1点である。

館の記録によれば、この時期の前には、体調をくずし、二番目の妻を亡くした悲しみから、数年ほとんど描けない時期があった。第一次世界大戦のさなかに、集中して描く時期が戻ってくる。

横が4メートルを超える。館の記録は、水平線も岸も省くことで果てのない広がりを感じさせる画面だと説明している。

画面の大半は紫がかった水面で、葉の群れが上の中ほどと右下に浮かぶ。下の縁には緑の縦の筆が並び、水の中か岸かを決めにくい。

同じ記録は、光が水面を通り抜けながら同時に跳ね返る、その一瞬の効果に絞った絵だとも書く。横長の画面が、見る人の視野をまるごと埋める。

来歴にも共通点がある。シカゴの1917年ごろの1点も、クリーブランドの大画面も、モネの死後は息子ミシェルの手元にあった。

どちらもパリの画商カティア・グラノフの手を経たとみられ、1956年にアメリカの画商へ渡った。クリーブランドの1点は1960年に館に入った。シカゴの1点は1982年から持ち分を分けて寄贈され、2005年にすべてが館のものになった。晩年の大画面の多くは、画家の死後もしばらくジヴェルニーに残っていたことになる。

ここまで並べると、変化の向きがはっきりする。橋という支えを外し、視線を下げ、画面を広げていった道筋である。

オランジュリー美術館の《睡蓮》はどんな作品か

高さ約2メートルの大画面8点を、楕円形の二つの部屋の壁に巡らせた連作である。オランジュリー美術館によれば、壁に沿った長さは100メートル近く、面積は約200平方メートルになる。

二つの楕円の部屋は、並ぶと無限大の記号の形をつくる。部屋には天井から自然の光が入り、晴れと曇りで絵の見え方が変わる。

館の説明では、朝の光の絵が東に、夕方の光の絵が西に置かれた。部屋を一巡りすると、一日の時間を通して見ることになる。

始まりは、第一次世界大戦の休戦の翌日である。1918年11月12日、モネは友人で首相のクレマンソーに手紙を書き、仕上がりかけの装飾画2枚を国に贈りたいと申し出た。

手紙には、わずかなものだが、勝利に加わるための自分にできる唯一の方法だ、という一文がある。置き場所には装飾美術館を望んでいた。6日後にジヴェルニーを訪ねたクレマンソーが、もっと大きな連作を贈るようモネを説いた。

1920年9月には、美術行政の長ポール・レオンとの間で12枚を贈る取り決めができた。

1921年、クレマンソーはジュ・ド・ポームかオランジュリーを置き場所に挙げた。モネは二つの建物を見たうえで、翌日の手紙でオランジュリーを選んだ。同じ手紙で、ずっと望んできた楕円の形を保てると書き、12枚の代わりに18枚を贈ると申し出ている。

寄贈の証書は1922年4月12日に交わされ、10の構図からなる19枚の画面が約束された。部屋の工事と絵の引き渡しには、2年の期限が付いていた。モネは手を入れ続けて絵を手放さず、結局は22枚を贈ることになる。

部屋の設計は、ルーヴルの建築家カミーユ・ルフェーヴルがモネの指示に沿って進めた。それより前には、ロダン美術館の庭に別棟を建てる案も一時あった。

モネは1926年12月5日に没した。部屋が公開されたのは翌1927年5月17日で、画家はその姿を見ていない。開館に力を尽くしたクレマンソーは、翌年に友を悼む本『睡蓮』を出し、1929年に亡くなった。

《睡蓮（アガパンサス）》は、高さが約2メートルある。オランジュリーの壁画とほぼ同じ高さで、壁画の一部を切り出したような大きさである。

《睡蓮》はどこで見られるのか

ここに挙げた5点は、シカゴ美術館、ナショナル・ギャラリー（ワシントン）、クリーブランド美術館にある。ただし展示は入れ替わる。行く前に各館の案内で確かめてほしい。

当サイトは美術館の関係者ではなく、展示や貸し出しの予定は把握していない。

大画面の連作そのものは、パリのオランジュリー美術館にある。シカゴ美術館の記録も、その壁画のために1914年から1926年にかけて描かれた連作に触れている。

探すときに迷いやすいのは、同じ題の絵が何点もあることである。《睡蓮》も《睡蓮の池》も、一つの絵の題ではなく、多くの絵が分け合っている題にすぎない。

そのため、館名と制作年と収蔵番号の三つが揃って、はじめて1点に決まる。この記事の図版のキャプションに番号を入れてあるのは、そのためである。

日本で見られる《睡蓮》

東京の国立西洋美術館が、2点の大きな《睡蓮》を持つ。どちらも実業家の松方幸次郎が、1921年12月ごろに画家本人から買ったものである。

一つは1916年の《睡蓮》で、縦200.5センチ、横201センチ。館の記録では、左下に署名と年記がある。

ほぼ正方形という形は、シカゴの1906年の《睡蓮》と同じである。10年のあいだに、同じ形の画面が一辺2メートルまで大きくなったことになる。

館の解説は、本作の制作時にはモネがすでに20年近く睡蓮を描いていたと書く。花や水面の影の細部を大胆に省いた描き方は、のちの表現主義や抽象絵画にもつながるという。

この絵は1944年にフランス政府に接収され、1959年に返還された。国立西洋美術館が開館した年である。

もう一つは同じ1916年の《睡蓮、柳の反映》である。館の記録では縦199.3センチ、横424.4センチで、画面の上部が失われている。

こちらはフランスに留め置かれたのち、2017年12月に日本へ移り、松方家の遺族から館に寄贈された。

館の記録では、2点とも1924年1月にパリで開かれたモネ展に出品された。前年の関東大震災の被災者を支援するための展覧会である。

横幅は、クリーブランドの《睡蓮（アガパンサス）》とほぼ同じである。高さもオランジュリーの壁画とそろう。同じ時期の大画面が、パリとアメリカと東京に分かれて残っている。

倉敷の大原美術館も《睡蓮》を所蔵している。所蔵と展示は別なので、当サイトでは個別の館の予定を書かない。

《睡蓮》についてよくある誤解

一つ目は、晩年の大画面はすべて池の前で描かれた、という見方である。シカゴの館の記録では、モネは庭で構想し、アトリエで描き直していたことを示す写真が残る。

同じ記録は、この時期には見て描いたものと記憶で描いたものの区別がつけにくく、区別すること自体に意味が薄いとも書く。

二つ目は、晩年の強い赤や黄はすべて目の病のせい、という見方である。オランジュリー美術館の年表では、モネは1922年に重い視力の衰えに悩み、1923年に白内障の手術を受けた。

手術の数か月後には、再び描き始めている。ただし、どこまでが病の影響かは画面だけでは決められない。

三つ目は、睡蓮は晩年になって描き始めた題だ、という見方である。池を作ったのは1893年で、橋のある池の連作は1899年から描かれた。国立西洋美術館の解説も、1916年の時点で20年近く描き続けていたと書く。

四つ目は、《睡蓮》は一つの絵の名前だ、という思い込みである。シカゴの館の記録だけでも、水の庭の絵は約250点にのぼる。題が同じでも、年と大きさと館が違えば別の絵である。

画像で見るだけなら、いまこの場でできる。ここに並べた5点は、いずれも館がCC0として公開している画像にもとづく。クロード・モネの頁からは、同じ池を描いた別の絵にも進める。

印象派という枠組みのほうから入りたい場合は、印象派とは何かを先に読むと位置がつかみやすい。