印象派とは何か——特徴・代表画家・作品の見方をやさしく解説

印象派とは

印象派とは、19世紀後半のフランスで生まれた絵画の動きである。モネ、ルノワール、ドガ、モリゾ、カイユボットらが、公式の展覧会とは別に自分たちの展覧会を開いた。神話や歴史ではなく、目の前の風景と日常を、外光の下で見えたとおりに描こうとした点が共通している。

呼び名は最初からあったものではない。1874年の第1回展にモネが出した《印象・日の出》の題が、そのまま一派の名として広まった。

第1回展はいつ、どこで開かれたか

1874年4月15日、パリのカピュシーヌ大通り35番地で始まった。会場は、写真家ナダールがかつて使っていた仕事場である。主催は、画家や彫刻家、版画家らが出資して作った会社だった。モネ、ルノワール、ドガ、モリゾのほか、ピサロ、シスレー、セザンヌも作品を出した。

当時、画家が世に出る主な道は、国が開く官展「サロン」だった。審査は厳しく、新しい描き方の絵はしばしば落とされた。審査を通さずに見せる場を、画家たちは自分たちの手で作ったのである。

名付け親は批評家のルイ・ルロワである。マルモッタン・モネ美術館の記録では、風刺新聞『ル・シャリヴァリ』が保守的なルロワを会場へ送った。1874年4月25日の評は「印象派の展覧会」と題し、《印象・日の出》の題をとって一同をからかった。はじめはからかいの言葉だったが、画家たちはのちに自らもこの名を使うようになる。

《印象・日の出》はどんな絵か

港の朝を、ごく短い時間で描いた小さな油彩である。同じ記録では、モネは1872年11月ごろ、ル・アーヴルのホテルの窓から外港を見下ろして描いた。画面は縦50センチ、横65センチで、署名のわきに「72」と年が入る。

一派の名のもとになった絵が、横65センチほどの画面だったことは覚えておいてよい。大きな歴史画で競う官展とは、出発点から規模が違った。この絵は1940年5月23日、ドノップ・ド・モンシー夫妻の寄贈で館に入っている。

仲間の展覧会は1886年まで、あわせて8回開かれた。最後の第8回展には、スーラが点描の大作を出している。その絵はスーラ《グランド・ジャット島の日曜日の午後》の解説で見ている。《印象・日の出》そのものは、いまパリのマルモッタン・モネ美術館にある。

印象派の絵は何が新しいのか

三つに絞ると分かりやすい。外で描くこと、混ぜない色を使うこと、一瞬を選ぶことである。

一つ目。屋外で、その場の光の下で描く。上の《日傘の女》では、女の足もとの草が日傘の影で灰紫に沈んでいる。影を黒や茶で塗らず、周りの色を映した色で描く。これが屋外で描いた画面の特徴になる。

外で描けるようになった背景には、道具の変化もある。1841年、絵具を詰めて持ち運べる金属のチューブが考案された。それまでは、顔料を油で練る作業をアトリエでこなす必要があった。チューブのおかげで、画家は絵具箱ひとつで野外へ出られるようになった。

二つ目。絵の具をパレットで混ぜきらず、隣り合わせに置く。近くで見ると緑と黄と青の短い筆が並んでいるだけだが、離れると草地に見える。混ぜた緑より明るく見えるのは、目の側で色が合わさるからである。

三つ目。物語の頂点ではなく、通りすがりの一瞬を選ぶ。《日傘の女》では、風で服と日傘があおられ、顔は逆光で影に沈む。人物の顔立ちは描き込まれていない。誰であるかより、いま光と風がどうであるかが主題になっている。

補足として、印象派は「下描きをしない絵」ではない。画面を早く仕上げる工夫は多いが、構図は選ばれている。《日傘の女》は見上げる位置から描かれ、空が画面の三分の二を占める。この配分は偶然では決まらない。左下に麦藁帽の少年を小さく置くことで、丘の傾きと距離が伝わるようにもなっている。

この絵のその後も、印象派の広まり方をよく示している。ワシントンの館の来歴の記録では、1876年に画家から医師ジョルジュ・ド・ベリオの手に渡った。ベリオは早くから印象派の絵を集めた人で、描かれた翌年には買い手がついたことになる。のちに娘夫婦のドノップ・ド・モンシー家が受け継いだ。

この夫妻は、先に見た《印象・日の出》をマルモッタン・モネ美術館に贈った人たちでもある。一派の名のもとになった絵と《日傘の女》は、同じ一家の手もとを通ってきたことになる。

光を追う——モネの連作

同じ場所を、時刻や季節を変えて何度も描く。この方法をいちばん徹底したのがモネである。積みわらの連作では、同じ藁の山を、雪の日、曇りの日、日没と描き分けた。

シカゴ美術館の《積みわら（雪の効果、曇りの日）》は、館の記録では1890年から91年の作である。藁の山は赤茶に沈み、まわりの雪は白ではなく、青と薄桃と灰で塗られている。曇天の雪の上では、物の色より光の色のほうが強く出る、という観察がそのまま画面になっている。

館の解説では、積みわらは高さ4.5から6メートルほどあり、ジヴェルニーの家のすぐ外に立っていた。モネは1890年から91年にかけて、畑で何枚ものイーゼルを並べて同時に描き、アトリエでも色の調子を整えた。1891年5月には、パリの画廊の小さな一室に、この連作の十五点を並べて掛けた。

館はこの展示を、批評の面でも売れ行きの面でも前例のない成功だったとする。この一点も、館の記録ではその展示に出た一枚である。モネはこのあと、ポプラ並木、ルーアン大聖堂の正面、そして自宅の庭と、連作を続けていく。シカゴ美術館は、積みわらの連作を世界でいちばん多く持つ館でもある。

主題は藁ではなく、藁に当たる光である。連作の考え方はクロード・モネの代表作と特徴でも扱っている。

代表的な画家と、その持ち場

印象派は同じ絵を描く集団ではなかった。得意な持ち場が違う。

クロード・モネ（1840〜1926）は光と大気を追い、連作を深めた。モネの作家ページから作品を辿れる。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール（1841〜1919）は人が集まる場面を得意にした。《フルネーズ亭の昼食》は、館の記録では1875年の作。セーヌ沿いの店で舟遊びの客が卓を囲む場面で、白い卓布と木漏れ日が画面を明るくしている。

エドガー・ドガ（1834〜1917）は屋内と人工の光を選んだ。《ダンスのレッスン》は横に長い画面で、床が広く空く。踊り子は舞台ではなく、稽古場で靴紐を直したり座り込んだりしている。決定的な瞬間を外すのがドガのやり方である。

画面の左端では、赤い上着の踊り子が床に座り込んで顔を伏せる。中ほどでは、椅子の踊り子が身を折って足もとへ手を伸ばし、緑の帯の踊り子が立ったまま足首に手をやる。踊っている者は、奥の窓の明かりの前に小さく見えるだけである。主役になるはずの踊りが、いちばん遠くに置かれている。

ベルト・モリゾ（1841〜1895）は第1回展から参加した中心人物のひとり。シカゴ美術館の解説では、8回の展覧会のうち7回に出品した。《ロリアンの港》は1869年の作で、画面の大半を淡い青灰の水面が占める。右手前の石の護岸には、白い衣の女が白い日傘を傾けて腰掛ける。ワシントンの館の来歴の記録では、モリゾはこの絵を、描いた年のうちにマネへ贈った。

ギュスターヴ・カイユボット（1848〜1894）は都市を描いた。《パリの通り、雨》は212.2×276.2センチの大作で、濡れた石畳と傘の群れを、遠近法の骨組みの上に置いている。シカゴ美術館の解説によれば、厳密な遠近法と大きな画面は、パリの観客を喜ばせた。一方で、左右の不釣り合いや大胆な切り取りは、新しい感覚を刺激したという。

印象派展にはどんな絵が出たのか

この記事で見た絵のうち二点は、仲間の展覧会に実際に出品されている。シカゴ美術館の展覧会歴で確かめられる。どの回に何が出たかを追うと、一派の顔ぶれと関心の移り方が見えてくる。

ルノワールの《フルネーズ亭の昼食》は、1876年4月の第2回展に出た。会場はパリのル・ペルティエ通り11番地である。館の解説では、ルノワールはセーヌ川沿いの店、フルネーズに長く滞在し、そのあいだに描いたとみられる。画面の奥の川には、漕ぎ手の乗る細長い舟が光の中を横切る。

カイユボットの《パリの通り、雨》は、翌1877年4月の第3回展に出た。出品目録の1番に挙がっている。

この回の展覧会を取り仕切ったのは、カイユボット自身だった。シカゴ美術館の別の解説では、彼は第2回展から一派に加わり、第3回展では会場探しから出品者の選定、展示の掛け方まで手がけた。《パリの通り、雨》は会場の目玉になった。モネのサン＝ラザール駅の連作は、同じ駅を描き込んだ彼の《ヨーロッパ橋》の隣に掛けられたという。駅の連作と街路の大作が、同じ回に並んでいたのである。

同じ解説によれば、カイユボットは官展に一度出して落選したあと、二度と出さなかった。裕福な家に生まれ、絵を売る必要がなかったので、描く主題を自由に選べた。もとは法律家を目指し、普仏戦争の兵役中に絵を描きはじめ、そのあと国立美術学校に入っている。館の解説によれば、雨粒は一つも描かれていない。当時出回りはじめた折りたたみ式の傘と、濡れた石畳の照り返しで、雨を伝えている。

同じ解説は、画面の大胆な切り方に、広まりはじめた写真の影響があるかもしれないと記す。手前の二人は、枠の外の何かに目を留めながら、見る人のほうへ歩いてくる。描かれたのは、画家の家から歩いてすぐの交差点だった。

二点が出た回のあいだにも、顔ぶれは少しずつ入れ替わった。最後の第8回展にスーラの点描が並んだことは、先に触れたとおりである。印象派展は、一つの様式の発表会というより、官展の外で新しい絵を見せる場として続いた。

印象派の絵をどう見るか

手順はひとつでよい。まず影の色を見ることである。

影が黒や焦茶で塗られていれば、それは印象派より前の描き方に近い。影が青や紫や緑で描かれていれば、画家は屋外の光を観察している。この一点を確かめるだけで、絵の立ち位置がだいたい分かる。

次に、画面から一歩下がって、また近づく。近くでは筆の跡がばらばらに見え、離れると形になる。この落差そのものが印象派の面白さである。当サイトの作品ページは拡大できるので、画面上でも同じことが試せる。

三つ目に、描かれた天気と時刻を推し量ってみる。影の濃さ、空の明るさ、色の温かさが手がかりになる。《パリの通り、雨》では影がほとんど出ない。曇っているからで、そのぶん濡れた石畳の照り返しが主役になる。《積みわら》も同じで、雪と曇天という条件が決まると、藁の色まで決まってしまう。何を描いたかより、どういう光の下で描いたかを問うと、連作の意味が見えてくる。

印象派が何から離れたのかを知りたい場合は、前の世代の記事を読むと流れがつながる。ミレーの代表作と特徴とクールベの代表作と特徴では、農民や労働を描いた画家たちを扱った。ミレーやコローの世代がすでに戸外へ出ていたこと、そのうえで印象派が何を変えたのかが分かる。

印象派の絵はどこで見られるか

まとめて見るなら、パリのオルセー美術館である。名の由来となった《印象・日の出》は、同じパリのマルモッタン・モネ美術館にある。

日本では、東京・上野の国立西洋美術館が、実業家の松方幸次郎が集めたモネの《睡蓮》などを持つ。館の記録では、この《睡蓮》は1916年の作で、縦200.5センチ、横201センチの大きな画面である。松方は1921年12月ごろ、画家本人から買った。第二次世界大戦中の1944年にフランス政府に接収され、1959年に返還されて館の所蔵となった。

当サイトで画像を見られるのは、シカゴ美術館とナショナル・ギャラリー（ワシントン）の作品が中心である。どちらの館の印象派も、多くはアメリカの収集家の寄贈や遺贈で入ったものである。

シカゴの例を館の来歴の記録でたどると、その早さに驚く。《積みわら》は1891年5月、パリの画商デュラン＝リュエルが画家から買った。1893年3月には、シカゴの収集家マーティン・ライアソンの手に渡っている。1933年、ライアソンの遺贈で館に入っている。

《フルネーズ亭の昼食》も、1892年にデュラン＝リュエルのニューヨーク店を通じて、シカゴのポッター・パーマーが買った。描かれてから二十年たたないうちに、印象派の絵は大西洋を渡っていた。一方、《パリの通り、雨》が館に入ったのは1964年と遅い。画家の一族の手もとに長く残っていたためである。本文の図版は、すべてこの二館が権利の制約なく公開したものである。