模様に沈む人物——エドゥアール・ヴュイヤール

縞の服と、花模様の壁

一枚の絵から始めたい。

ほぼ正方形の画面である。縦65.7センチ、横58.7センチ。

手前に女性が座っている。

服は白地に赤の縞。細い縞が体の丸みに沿って曲がる。

髪は赤褐色で、後ろでまとめられている。

顔は下を向き、右手を前に伸ばしている。

その先には花瓶と花がある。白と黄の菊、赤い小さな花。

背後にもう一人の女性がいる。顔だけが見える。

そして、周囲を見てほしい。

壁は赤い花模様で埋められている。緑の葉と赤い花が全面に散る。

右には緑の茂み。左には金色の柱のような形がある。

つまり画面のほとんどが模様である。

模様は、19世紀末の室内そのものである

模様の多さは、画家の趣味だけの問題ではない。

19世紀末のパリの室内は、実際に模様で埋まっていた。

壁には花柄の壁紙、床には模様の絨毯、窓には柄物のカーテン。

家具には織物が掛けられ、卓布にも模様が入る。

つまり部屋の表面のほとんどが、何らかの模様で覆われていた。

産業革命によって、印刷された壁紙と織物が安く手に入るようになった時期である。

模様は贅沢の記号から、日常の風景へ移っていた。

だから室内を正確に描こうとすれば、模様を描くことになる。

写実として模様を描いた結果、画面が平面に近づいた。

この順序は覚えておきたい。

装飾のために模様を描いたのではなく、部屋を描いたら模様になったのである。

人が、模様に沈む

ここで問題が起きる。

人物と背景の区別が付きにくい。

赤い縞の服は、赤い花模様の壁と色が近い。

顔と手だけが、明るい肌色として浮かんでいる。

つまり人物は、模様の海に沈みかけている。

これは失敗ではない。意図された効果である。

室内の装飾と人を同じ密度で描き、境目を曖昧にする。

その結果、部屋全体が一つの模様として見える。

筆の性質も見ておきたい。

背景の花模様は、短い点と線の集まりで示されている。

一つずつの花の形は追えない。密度だけが見える。

一方、縞の服は線が明確である。方向も一定している。

つまり模様の種類によって、筆の使い方を変えている。

密度で示す模様と、方向で示す模様。二つが隣り合っている。

その差が、かろうじて人物と背景を分けている。

問い——模様の中の人は、何を描いているのか

ここから本稿の問いに入りたい。

当サイトが公開するこの画家の作品は18点ある。

制作年は1889年から1912年ごろまで。

主題は室内と人物に集中している。

そして多くの作品で、模様が画面を埋めている。

なぜ模様なのか。そして人はどう扱われているのか。

以下、確かめていきたい。

先に結論を書いておく。

模様は装飾ではなく、部屋そのものの記録である。

そして人物を沈ませることで、主題が「人」から「場」へ移っている。

支持体は、厚紙が多い

先に材料を確かめておきたい。

公開されている作品のうち、いくつかは厚紙に描かれている。

寸法も小さい。21×28センチ、26×22センチ、21×26センチ。

つまり葉書を数枚並べたほどの大きさである。

小さな厚紙に、室内の一場面を収める。

同じ時期に厚紙を使った画家は他にもいる。

その事情は別のコラムで扱った。

厚紙は安く、軽く、油を吸って乾きが速い。

日常の場面を素早く描く仕事に向いている。

厚紙にはもう一つの効果がある。

地の色が中間調として使えることである。

灰褐色の紙に暗い色を置けば影になり、明るい色を置けば光になる。

この画家の小品では、地の色がしばしば残っている。

つまり塗る面積が減り、画面が軽くなる。

材料の選択が、絵の調子まで決めている。

黄色い布が、画面を割る

小さな画面である。縦34.7センチ、横38.7センチ。

画面の中央から右に、黄色い布が垂れている。

カーテンである。縦の襞が暗い線で示されている。

その左には、花模様の壁紙が見える。桃色と緑の細かい模様である。

壁紙の前に、黒い服の人物が立っている。

顔は暗く、輪郭がぼやけている。頭に丸い形がある。

床は黄色で、右下に赤い椅子の背が見える。

つまり画面の半分が黄色い布である。

人物は隅に押しやられ、面積も小さい。

主題は人ではなく、布と壁紙の関係である。

垂れ布の描き方も見ておきたい。

黄色の面に、暗い縦線が数本引かれている。

襞の数はもっと多いはずだが、描かれているのは数本だけである。

つまり布の構造を省き、面と線で示している。

平らな黄色の面が大きいため、画面は明るく見える。

一色の大きな面を置くことは、構成の強い手段である。

版画の仕事と、同じ方法

この画家は版画も手がけている。

石版で色を摺る仕事である。

版画では、色ごとに版を作り、平らな面として摺る。

つまり陰影を作らず、面と輪郭で画面を組む。

その方法が、油彩や膠絵の画面にも入り込んでいる。

同じ時期のパリでは、版画とポスターの仕事が画家の収入源になっていた。

平面的な構成は、その実務から育った面がある。

厚紙に線と色面で描いた同時代の画家についても、同じ事情が指摘できる。

その仕事は別のコラムで扱った。

技法の共通性は、様式の共通性より確かな手がかりになる。

卓と人が、同じ色になる

さらに小さい。縦21.5センチ、横28.8センチ。

卓を囲んで、二人が座っている。

卓の面は暗い緑で、白い皿と珈琲茶碗が置かれている。

右の椅子には花模様の布が掛かる。赤と黄の模様である。

左の人物は淡い褐色で、輪郭がほとんど無い。

右の人物は上半身が背景に溶けている。

つまり人物が色の面として処理されている。

見分けられるのは、白い皿と茶碗、そして頭の位置だけである。

白い皿の役目は大きい。

画面の中でもっとも明るい面であり、視線の起点になる。

そこから卓、人物、椅子の布へと目が動く。

暗い画面では、明るい小さな面が地図の目印として働く。

模様の中に人が沈む絵では、この目印が不可欠である。

誰を描いていたのか

描かれた人についても書いておきたい。

この画家は、家族と友人を繰り返し描いた。

母、姉、義兄、そして画家仲間とその家族である。

家の中で仕事をするなら、モデルは身近な人になる。

同じ条件は、他の画家にも見られる。

家族を描き続けた例は別のコラムでも扱った。

そして家族を描くと、絵は肖像であると同時に生活の記録になる。

食卓、縫い物、暖炉のそば。時刻と季節が細部に残る。

母を描いた一点

縦長の小品である。

女性が卓の前に座り、横を向いている。

服は淡い桃色で、体の輪郭が丸い。

髪は白く、頭に黒い飾りがある。

卓の上には白い皿と食器が並ぶ。

椅子は黄色。曲げ木の背もたれが弧を描く。

左には白い扉の枠。右奥に暗い家具が見える。

床は赤褐色である。

つまりここでは人物が明確である。

模様は椅子と床に限られ、背景は落ち着いている。

小品でも、密度の設計が作品ごとに違う。

暖炉のそばの人

横長の小品である。

左に黒い暖炉の縦の面がある。画面を垂直に切っている。

中央に女性が座っている。格子模様の服で、横を向いている。

背後の壁は淡い黄土色で、細かい模様が散る。

右には赤褐色の椅子か布。

下方は緑がかった褐色の面である。

つまり画面は、垂直と水平の色面に分割されている。

人物はその中の一つの形として置かれている。

誰の部屋を描いていたのか

描かれた場所についても書いておきたい。

この画家は長く母と同居し、その住居で制作した。

母は仕立ての仕事をしていたと伝えられる。

つまり家の中には布があり、型紙があり、縫い物の道具があった。

公開分の中に、縫い物をする女性を描いた作品が複数ある。

大きな装飾画も、その主題である。

家業の風景が、そのまま絵の主題になっていることになる。

同じ条件は、家族を描き続けた他の画家にも見られる。

家の中が仕事場である画家は、家族と生活を主題にせざるを得ない。

そしてその制約が、独自の主題を生む。

外の街路や酒場を描いた同時代の画家とは、対象が違う。

どちらが自由かではなく、置かれた場所が違うということである。

布と模様の多い画面は、仕立ての家の風景でもあった。

そう考えると、模様の密度に別の意味が出てくる。

装飾の趣味ではなく、家の仕事の道具が画面を埋めている。

帽子だけが、はっきりしている

女性の肖像である。

顔は褐色で、目と口がはっきり描かれている。

そして頭に大きな帽子がある。

つばは広く、青緑と黒の模様が渦を巻いている。

つまり帽子が画面の上半分を占め、模様として際立つ。

服は暗い青。背景は淡い桃色と灰色で、筆の跡が粗い。

左上に献辞らしい文字が書かれている。

顔よりも帽子が主題に見える構成である。

装いの模様が、人物の説明になっている。

仲間との活動

所属についても書いておきたい。

1890年代のパリで、この画家は若い画家たちの集まりに加わっていた。

彼らは装飾画と版画の仕事を積極的に手がけた。

劇場の舞台装置やプログラムの図案も引き受けている。

つまり絵画だけでなく、印刷物と舞台を含む活動だった。

その環境が、平面的な構成を後押ししたと考えられる。

舞台の書き割りは平面である。ポスターも平面である。

用途が平面を要求する仕事が、日常の仕事だった。

道具を描いた一点

卓の上の静物である。

左に褐色の壺があり、桃色の薔薇が数輪生けられている。

右には木の箱と、開いた本のような形。

箱は絵具箱である。蓋が開き、中に紙や道具が見える。

背景は淡い青灰色の板壁。縦の線が入っている。

卓の面は暗い褐色である。

つまり画室の一隅を描いた絵である。

人物はいない。しかし道具が人の存在を示している。

大きな装飾画

縦180センチの大画面である。

技法の欄に注目してほしい。膠を媒材にした絵具である。

油ではなく、膠で顔料を溶いて描く方法である。

乾くと艶が消え、粉のような肌になる。

大きな装飾画では、この技法がしばしば使われた。

画面には室内が描かれている。

左に赤い柱と白いレースのカーテン。

中央から右に、縫い物をする女性が二人。

床には布や道具が散り、赤い衣が置かれている。

奥には縞模様の壁と、青い布の掛かった椅子。

床は明るい黄土色で、光が差している。

つまりこれも室内の場面だが、寸法が大きい。

壁に嵌め込む装飾として作られたと考えられる。

装飾のための絵という点では、扉上の絵や柱絵と同じ系統である。

初期の自画像は、ふつうである

最後に、初期の一点を見たい。

小さな自画像である。縦22.2センチ、横17.4センチ。

若い男が描かれている。

髪は茶色で、額の上に垂れる。髭がある。

顔は正面をやや外し、目は正面を見る。

服は暗い灰褐色。白い襟が細く見える。

背景は暗褐色で、平らである。

つまり模様がない。

明暗で立体を作り、輪郭を明確にしている。

制作は1889年。二十一歳の作品である。

数年後の室内画とは、まったく描き方が違う。

小品と大画面のあいだ

寸法の幅にも触れておきたい。

公開分の最小は縦21.5センチ、最大は縦180センチである。

八倍以上の差がある。

小品は厚紙に油彩で、日常の一場面を素早く描いたもの。

大画面は膠絵で、壁に嵌める装飾として作られたもの。

用途が違えば、材料も寸法も変わる。

しかし構成の考え方は共通している。

模様の面を並べ、その中に人を配置する。

小さな紙で試したことを、大きな壁で展開している。

つまり小品は習作でありながら、方法の実験室でもあった。

膠絵という技法

大画面の技法にも触れておきたい。

膠で顔料を溶く方法は、乾くと艶が消える。

粉のような肌になり、光を反射しない。

壁に嵌める装飾では、この性質が有利である。

油彩の艶は、横から光が当たると反射して見えにくくなる。

艶のない面なら、どの角度からも均一に見える。

つまり技法の選択は、置かれる場所の光から決まっている。

材料の判断が、展示の条件と結びついている例である。

見立て——模様は、部屋そのものである

まとめておきたい。

1889年の自画像では、人物が主役で背景は無地だった。

1893年以降の室内画では、模様が画面を埋め、人物が沈む。

この変化には理由が考えられる。

一つは、装飾画の仕事に関わったことである。

壁に嵌める絵では、画面全体が模様として働く必要がある。

二つは、日本の版画や工芸の平面性の影響である。

輪郭線と平らな色面、そして模様の反復。

三つは、主題そのものが室内だったことである。

19世紀末のパリの室内は、壁紙、布、絨毯で埋められていた。

つまり模様を描くことは、その部屋を正確に描くことでもあった。

人が沈むことの意味

人物が模様に溶けることには、効果がある。

個人の肖像ではなく、その場の空気が主題になる。

誰が座っているかより、部屋がどんな部屋かが伝わる。

同時に、見る側は目を凝らすことになる。

どこに人がいるのかを探しながら見る。

その探す時間が、絵を見る時間を長くしている。

大きな装飾画の行き先

装飾画の注文についても触れておきたい。

個人の邸宅の壁のために、複数枚を組で注文する例があった。

食堂や書斎の壁を、絵で覆う仕事である。

つまり作品は建物の一部として作られた。

後に建物が売られたり壊されたりすると、絵は外されて市場に出る。

いま美術館にある大画面は、そうして分離された断片である。

本来は隣に別の画面があり、組で見るものだった。

組物が散る事情は、屏風や祭壇画でも繰り返し起きている。

公開分の構成

最後に数を確かめておきたい。

18点のうち、室内の場面が大半を占める。

風景は数点、静物は数点である。

寸法は21センチから180センチまで幅がある。

つまり小品と装飾画の両方が含まれている。

用途の違う作品を並べて比べられるのは、公開画像の利点である。

暮らしへ——模様の中で、人を撮る

最後に、日常に持ち帰れる話をひとつ。

模様のある壁やカーテンの前で、人を撮ってみてほしい。

服の色が模様と近いと、人が沈む。

離れていると、人が浮く。

沈ませたいか、浮かせたいかを決めてから撮ると、写真が変わる。

百三十年前の画家が試していたのは、この選択である。

そして部屋そのものを主題にしてみるのも面白い。

人を小さく入れ、模様を大きく写す。

部屋の記録として、後で見返す価値が出てくる。

飾るときは、模様の多い絵は無地の壁に掛けるとよい。

壁紙の上に掛けると、絵の模様と壁の模様が干渉する。

絵の中に模様がある場合、周囲は静かにしておく。

そして、部屋の写真を撮るときは人を小さく入れてみてほしい。

人が小さいほど、部屋の模様が主題になる。

同じ部屋でも、人の大きさで絵の主題が変わる。

群として見ると、用途が見える

最後に、見方をまとめておきたい。

18点を寸法で並べると、小品と装飾画に分かれる。

技法も、油彩と膠絵に分かれる。

つまり用途によって材料と寸法が決まっている。

記録の欄を読むだけで、作品の役目が推測できる。

公開画像は、そのための道具である。

寸法と技法の欄を読み、用途を推測することができる。

展示の札には、そこまで書かれないことも多い。

記録の細部を読む作業が、作品の役目を教えてくれる。

そして、推測した用途は書き留めておきたい。

寸法と技法から考えたことは、忘れやすい。

一行の記録が、次の作品を読むときの型になる。

記録は、あとから読む自分のために残すものである。

細かく書く必要はない。寸法と、気づいた一点だけでよい。

部屋を見る習慣は、絵の見方も変える。

模様の配置が、選ばれた結果だと分かってくる。

見る側の経験が増えるほど、絵から読めるものも増える。